История
Хотя поп-арт начался в начале 1950-х годов, в Америке он получил большой импульс в 1960-х годах. Термин «поп-арт» был официально введен в декабре 1962 года. Поводом стал «Симпозиум по поп-арту», организованный Музеем современного искусства. К этому времени американская реклама приняла много элементов и изгибов современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. Следовательно, американские художники должны были искать более глубокие драматические стили, которые дистанцировали бы искусство от хорошо разработанных и умных коммерческих материалов. Поскольку британцы рассматривали образы американской популярной культуры с несколько отдаленной точки зрения, их взгляды часто были наполнены романтическими, сентиментальными и юмористическими нотами. Американские художники, напротив, каждый день подвергались бомбардировке разнообразием произведений массового производства, создавая более смелые и агрессивные работы.
Двумя важными художниками в создании американского поп-арта были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. В то время как картины Раушенберга имеют отношение к более ранним работам Курта Швиттерса и других художников Дада, его заботой были социальные проблемы. Его подход заключался в создании искусства из эфемерных материалов. Используя актуальные события в повседневной жизни Америки, он придал своей работе уникальное качество. Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов классифицируются как нео-дада и
визуально отличаются от прототипа американского поп-арта, взорвавшегося в начале 1960-х годов.
В произведениях американских поп-артистов (исключение составляет ранний Ольденбург) мир и искусство, зритель и художник впервые предстают как две анонимные, зеркально отражающие друг друга, разобщенные и одинаково дереализованные данности. Знаменитый в ближайшем будущем поп-артист Джеймс Розенквист в 1963 году сказал: «Анонимность новейшей истории поражает меня». Анонимный — безымянный, не имеющий устойчивого личного образа, возможно, безобразный. Слово «образ», связанное с традиционной эстетикой, пора менять на слово «имидж», более летучее, нестойкое, конвенциональное, внеистинное образование. Поп-арт демонстрирует обращенный к каждому соблазн прекрасного нового мира и одновременно указывает на то, что это — соблазн упаковки, бликующей поверхности, соблазн телеэкрана, транслирующего обществу мечты о процветании, урбанистическом рае для всех вперемешку с мелькающими катастрофами и политикой, фокусы которой показывают быстро сменяющие друг друга персонажи. Все образы поп-арта пропущены сквозь адаптивные машины масс-медиа, которые и делают любое явление несубстанциальным, подобным пустой оболочке самого себя.
Выставки
В апреле 1963 года поп-арт окончательно получает свое имя по названию выставок «Популярный образ» в Вашингтонской галерее современного искусства и «Популярное искусство: Художественные проекции общеамериканских символов» в галерее Нельсона и музее Аткинса в Канзас-Сити. Тогдашняя художественная общественность в массе своей негативно воспринимала поп-арт как популистскую критику абстракционизма, только что утвердившегося в качестве высокого американского модернизма. Действительно, в 1964 году Лихтенштейн делает работу «Композиции», иронически представляя сходство между живописью абстрактного экспрессионизма и обложкой для учебной тетради. Позднее аналогичную картину об абстракционизме как об условном знаке творческой спонтанности показывает создатель немецкого поп-арта, или капиталистического реализма, Зигмар Польке. То, что поп-арт диагностирует одинаковую стандартизацию в области производства и распространения вещей и в сфере создания произведений искусства, показывает унификацию сознания современного человека, многим не нравилось. И в 1964 году на авансцене американского искусства появляется другая версия того, каким должно быть актуальное творчество: главное теперь — очищение стандартной формы от каких бы то ни было ассоциаций с конкретными вещами. Поп-арт подвергается не только внешнему, но и внутреннему давлению. К середине 1960-х годов поп-артисты становятся звездами, а их произведения — таким же рыночным искусством, как и абстрактная живопись. Критика общества потребления служит топливом для разжигания художественного рынка. Артур Данто считал, что поп-арт искупает массовую культуру, исправляет судьбу вещей, которые дороги миллионам. Автор статьи «Shop After Pop» («Магазин после попа») Том Вандербильт отмечает, что в середине 1960-х двусмысленность этой искупительной жертвы с неизбежностью выходит на первый план: «Клэе Ольденбург однажды назвал это сущим
барышничеством, вспоминая телевизионное шоу, в котором „продавец поп-арта …продает поп-арт, чтобы добыть денег на покупку Пикассо». Неомодернизм переосмысливает стандартизацию и ведет поиск модульной первичной формы современного искусства и реальности. Ведь современность должна быть универсальной как формула, а не как моющее средство.
У Класа Олденбурга, Джима Дайна и Тома Вессельмана были первые показы в галерее Джадсона в 1959 и 1960 годах, а затем в 1960–1964 годах вместе с Джеймсом Розенквистом, Джорджем Сигалом и другими в Зеленой галерее на 57-й улице Манхэттена. В 1960 году Марта Джексон показала инсталляции и сборки в New Media — были представлены Ганс Арп, Курт Швиттерс, Джаспер Джонс, Клас Олденбург, Роберт Раушенберг, Джим Дайн и Мэй Уилсон. 1961 год был годом весеннего шоу Марты Джексон «Окружающая среда, ситуации, пространства». Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 года в галерее Ferus Ирвинга Блума, где он показал 32 картины банок для супа Кампелла, по одной на любой вкус. Уорхол продал набор картин Блюму за 1000 долларов; в 1996 году, когда его приобрел Музей современного искусства, набор был оценен в 15 миллионов долларов.
Дональд Фактор, сын Макса Фактора-младшего, коллекционер и соредактор авангардного литературного журнала Nomad, написал эссе в последнем номере журнала Nomad / New York. Эссе было одним из первых о том, что станет известным как поп-арт, хотя Фактор не использовал этот термин. Эссе «Четыре художника» было посвящено Рою Лихтенштейну, Джеймсу Розенквисту, Джиму Дайну и Класу Ольденбургу.
В 1960-х годах Ольденбург, который стал связанным с движением поп-арта, создал много перформансов, которые были производством того времени, связанным с перформанс-искусством. Название, которое он дал своим собственным постановкам, было «Театр Рэй Ган». Актеры-коллеги, принявшие участие в выступлениях: артист Лукас Самарас, Вессельман, Кароль Шиманн, Фальстрёй и Ричард Артшвагер; дилер Аннина Носей; искусствовед Барбара Роуз и сценарист Руди Вурлицер. Его первая жена была постоянной исполнительницей в его перформансах. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству в значительной степени расходился с преобладающей позицией, что по своей природе искусство имеет дело с «глубокими» выражениями или идеями. В декабре 1961 года он арендовал магазин в Нижнем Ист-Сайде на Манхэттене, чтобы разместить «Магазин» — месячную инсталляцию, которую он впервые представил в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке, со скульптурами, примерно в виде товаров народного потребления.
Открывшийся в 1962 году нью-йоркский арт-дилерский магазин Виллема де Кунинга, Sidney Janis Gallery,
организовал новаторскую Международную выставку новых реалистов, обзор нового американского реализма в Америке, Франции, Швейцарии, Италии и Британский поп-арт. Среди 54 представленных художников были Ричард Линднер, Уэйн Тибо, Рой Лихтенштейн (и его картина Блам), Энди Уорхол, Клас Олденбург, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Роберт Индиана, Том Вессельманн, Джордж Сигал, Питер Филлипс, Питер Блейк, Ив Кляйн, Арман, Даниэль Споерри, Кристо и Миммо Ротелла. Шоу увидели в Нью-Йорке европейцы Мартиал Рейссе, Ники де Сен-Фалль и Жан Тингели, которые были ошеломлены размером и внешним видом американского искусства. Магазин потерял некоторых из своих художников-экспрессионистов, когда Марк Ротко, Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб и Филипп Густон вышли из галереи, но получил Дайна, Ольденбурга, Сигала и Вессельманна. На вечере премьеры, организованном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, от которого Тремейн отвернулся, владея несколькими работами де Кунинга. Розенквист вспоминал: «В тот момент я думал, что что-то в мире искусства определенно изменилось». Отказ от уважаемого абстрактного художника доказал, что уже в 1962 году движение поп-арта стало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.
Чуть раньше на Западном побережье Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка, Филипп Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта, Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити и Уэйн Тибо из Калифорнии был включен в шоу «Новая картина общих объектов» . Эта первая выставка музея поп-арта в Америке курировалась Уолтером Хоппсом в Художественном музее Пасадены. Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал за Пасаденой в 1963 году, когда в музее Гуггенхайма были представлены шесть художников — Джим Дайн, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол. Еще одной ключевой ранней выставкой был Американский супермаркет, организованный Галереей Бьянкини в 1964 году. Шоу было представлено как типичная среда небольшого супермаркета, за исключением того, что все в нем — продукты,
консервы, мясо, плакаты на стене и т. д. — было создано поп-артистами того времени, в том числе Эппл, Уорхолом, Лихтенштейном, Вессельманом, Ольденбургом и Джонсом. Этот проект был воссоздан в 2002 году как часть Tate Gallery «Shopping: Век искусства и потребительской культуры».
К 1962 году поп-артисты начали выставляться в коммерческих галереях в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе; для некоторых это было их первое коммерческое шоу. Галерея Ferus представила Энди Уорхола в Лос-Анджелесе (и Эда Руша в 1963 году). В Нью-Йорке в Зеленой галерее были представлены Розенквист, Сигал, Ольденбург и Вессельманн. Stable Gallery показал Р. Индиану и Уорхола (в его первой выставке в Нью-Йорке). Галерея Лео Кастелли представила Раушенберга, Джона и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун показал Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия Зеленой галереи и галереи Феруса, Галерея Лео Кастелли представляла Розенквиста, Уорхола, Раушенберга, Джона, Лихтенштейна и Руша. Галерея Сидни Дженис представляла Ольденбурга, Сигала, Дайна, Вессельманна и Марисоль, в то время как Аллен Стоун продолжал представлять Тибо, а Марта Джексон продолжала представлять Роберта Индиана.
В 1968 году на выставке Сан-Паулу «Окружающая среда США: 1957–1967» была представлена выставка «Кто есть кто» в поп