Это содержательные особенности. А как изображали божественный мир? А как же они отражались на форме, на средствах, которыми это все изображалось: на композиции, на колорите, на пространстве и времени? Особенности по форме, по художественным приемам:
Тут нужно обратиться к основе основ любого произведения искусства – композиции. Композиция (от лат «сочинение) – основа любого произведения искусства. Композиционным основам подчиняются произведения любого искусства. Для религиозного искусства композиция – это соотношение частей. Где главное, где второстепенное? Где основное и где ведущее? Композиционные приемы сложились в искусстве христианства задолго до того, как оно пришло на Русь, и пришли уже в готовых формах и приемах. Самый простой прием – это симметрия, центр. Он по-разному отображается в разных частях искусства, а по краям от центра зеркально изображены боковые части. В архитектуре примерами таких композиций являются храмы 2 пол. XVII в. Например, храм Иоанна Предтечи в Толчковской слободе (дело в том, что тогда там жили кожевенники, которые толкли дубовую кору для выделки кож). Но симметрия не всегда соблюдается. Касаемо живописи, четкий центр видим нами редко, а иногда в композиции картины центра и вовсе нет. Чаще в живописи есть круговая композиция, когда фигуры персонажей вписаны в круг прямо или создается обрамление в виде круга. В мировой архитектуре круговая композиция встречается в древнегреческих храмах или в храмах эпохи Ренессанса. В живописи есть ярусная композиция, когда горизонтальными полосами ведется живописное повествование. Древнерусским мастерам не надо было придумывать композицию, она уже пришла с каноном, разве что можно было привнести какие-то свои детали.
Следующая особенность – это линия, рисунок. Рисунок в изображении очень важен, хотя, прежде всего, мы воспринимаем цвет. Но очень часто своей ритмикой, своими особенностями рисунок уточняет, дополняет содержание картины. Когда рисунок мягкий, музыкальный, изображение одно. И наоборот, когда рисунок ритмичный, конструктивный, изображение совсем другое. Ритмическое начало связано и с композицией, и с рисунком, и с цветовыми сочетаниями, но рисунок и ритм все равно важны для любого искусства. И ритмика всегда очень разная, есть произведения спокойные, плавные, а есть напряженные.
Говоря о художественных приемах, нужно помнить, что ритм тоже создает определенный эмоциональный настрой произведения. Конечно, главное выразительное средство в произведении живописи – это цвет, или колорит, т.е. совокупность цветов.
Художники не могли произвольно использовать любые цвета или цветовые сочетания. Дело в том, что на заре христианства цвет был осмыслен очень содержательно. И каждый цвет имел символическое наполнение. Каждый цвет имел свое символическое содержание и потому использовался очень строго, в соответствии с каноном.
Главным цветом в золотом искусстве является золотой, раскатывали золотые листочки и использовали как фон во фресках, наклеивали них и на иконы. Золото было материалом драгоценным, материалом долговечным, сияющим, а потому идеальным материалом для изображения небесного мира. Золото вечно – это образ мира божественного.
Синий цвет – это образ таинственности, непостижимости божественного мира. Синий – это символ созерцания мысленного и чувственного божественного мира, потому он в иконах использовался редко, а во фресках использовался вместо золотого фона. Синий цвет располагает к созерцанию, к размышлению, к вглядыванию, к длительному вниманию, потому в трудах богословов он символизировал тайны бытия. Каноническая особенность Христа – его синий плащ, то есть символ его вечности, непостижимости.
Очень важным цветом в древнерусском искусстве является пурпурный. Это цвет императоров в Римской империи. Только император мог носить пурпурную одежду и обувь. И если самозванец в Византии захватывал власть, он публично облачался в пурпурную одежду и сапоги – это значило, что он объявляет себя правителем. Пурпурный – в простом изложении – это темно-вишневый цвет. В него одевают богоматерь, т.к. это цвет царственного. И хитон (нижняя одежда, рубаха, которую носили в Древнем Риме, в Древней Греции) у Христа пурпурного цвета. Этот цвет Богоматери и Христа.
Белый – образ света, сияния, используется для изображения ангельских одежд. В белых одеждах изображали невинно страдающих или убиенных мучеников, которые страдали за свои христианские убеждения. В белых одеждах изображается Иисус в композиции Преображения. Тогда Христос преобразился только перед тремя своими учениками и доказал этим, что он Мессия. Тогда его тоже изображали в белых одеждах.
Очень интересен и значим красный цвет. В силу своей природы он двояк. Эта двоякость противоположна, значения противоречивы и спорят между собой. С красным ассоциируется сияние солнца, цвет огня, тепла, защиты, а шире – радости, красный – образ торжества, триумфа. Не случайно в одеждах разных народов мира много красного. И именно в таком виде красный цвет используется. Но одновременно красный – цвет крови, он символизировал и мучения, страдания, борьбу и даже смерть! И красный в силу своих двояких качеств знаков двояк и для икон. Например, икона с Георгием Победоносцем XV века: там красный – это цвет триумфа. Или на иконах, где казнят невинно убиенных, они написаны в белых одеждах, а земля как бы красная.
Зеленый – это цвет растений, травы, природы, потому, как правило, он использовался в изображениях архитектуры и одежд святых. Это цвет земной природы. То же самое можно сказать о желтом, коричневом, бежевом, фалевом, то есть об охровых цветах – они изображались в изображениях земли, архитектуры, одеяний.
А вот черный – это цвет, абсолютно противоположный любому цвету, значит, им можно изображать только то, что связано с адом и преисподней, он практически не использовался в древнерусской архитектуре. Даже одежды монахов не изображали черным цветом, а темно-коричневым, темно-синим. А черным изображается картина распятия: гора Голгофа. По преданиям, именно там был погребен первый созданный Богом человек, и пещеры внутри горы изображались черным цветом. Или в сюжетах воскресения и пришествия в ад, который изображается в виде бездонной бездны, и Иисус выводит праведников оттуда. Но черного там очень мало, он занимает очень мало места и играет роль контраста белому. Градация и символика цветов была разработана и придумана задолго до проявления христианства, а в христианстве получила продолжение и подтверждение. И ничего не делали художники произвольно, всё было написано в каноне, и формальные приемы были очень важны и знаковы, и работали на раскрытие содержания произведения.
Очень важная, очень сложная для изображения философская категория, которая отражает любое искусство, — это пространство и время. Раньше их как в явления природного характера ученые разделяли. Ныне считают, что это единая субстанция. Но как его тогда изображали? Для этого нужно понять, как его изображали в искусстве Нового времени, оно более похоже на фотографию. Оно передает пространство-время так, как оно воспринимается человеческим глазом и сознанием.
Обратим внимание на следующее: у человека особое устройство зрения, и человек видит мир по-своему искаженно. Вот пример: в нашем сознании параллельные лини сходятся на горизонте, хотя мы прекрасно понимаем, что это не так. Но наш глаз видит это с искажением. Человек, который стоит близко к нам, возможно крупнее небоскреба. И это связано с тем, что небоскреб гораздо дальше, хоть это и громадное здание.
И эти особенности человеческого зрения уже знали в древности, и древние греки учитывали это в своих постройках. Можно вспомнить любой древнегреческий храм, там нет ни одной ровной колонны. Дело в том, что у колонн есть энтазис: расширение по серединке. Не будь его, мы видели бы колонны вогнутыми вовнутрь, а с его помощью мы видим колонны идеально ровными. Дальше, все расстояния между колоннами с краев больше, чем расстояния у колон, которые в середине. И даже пол под колоннами немного выпуклый.
Это особенность человеческого зрения, которое знали уже тогда. И именно в соответствии с этим нашим видением пространства времени оно изображается на картинах. Например, картина Крамского и Мясоедова «Утро в сосновом лесу». Её особенность в том, что она изображена с одной точки зрения, она изображена в одно время года и даже время суток, и мы видим остановленное живописью мгновение времени. То есть тут мы видим единство места, времени и пространства – это своеобразное окно.
Художники Нового Времени учитывают особенности зрения человека. Но искусство Нового Времени обращено к человеку, а древнерусское искусство стоит на других принципах. Потому искусство средневековья строит иконы по другому принципу: пространство в них бесконечно, оно не имеет конкретно взятого представления или времени, пространство-время в них бесконечно и вечно. Оно изображается не в какой-то конкретный момент, не в какой-то конкретной точке, оно изображается обобщенно. Оно изображается не с одного места зрения и не в один момент. В нем нет прямой перспективы. Её нет ни в иконах, ни на фресках. И связаны все эти особенности опять-таки с представлениями религиозного характера, о непознаваемости божественного мира, нельзя проникнуть в глубь иконного или фрескового изображения. В них пространство-время строится по законам обратной перспективы (а по законам обратной перспективы параллельные линии сходятся не внутри произведении, а на человеке, который перед этим произведением стоит, изображение не развивается вглубь произведения, а на человека), оно не имеет ни начала, ни конца. И, смотря на архитектуру, мы увидим, что параллельные линии подножий сходятся не перед изображением, а не внутри него. Золотой фон не способствует развитию перспективы. Золотое изображение рассчитано на общение с человеком, на человеческое восприятие. Что касается времени, то там тоже нет одномоментного сюжета. Там в рамках одного сюжета, одной иконы, представлены события, происходящие в разное время и в разных местах. Это очень важная особенность средневекового искусства: там нет выхваченного сюжета, там есть видение пространства как бесконечности, времени как вечности. Изображение активно вызывает человека на контакт, на общение с ним.
Еще одна важная особенность, которая, конечно, связана с содержанием и с его внешним воплощением – отсутствие натурализма. Она связана и с формальными приемами, и с содержащимся в них началом. Средневековое искусство изображало и распятие Христа, и страдание и гибель праведников, мучеников и апостолов, и мучения грешников в аду. И тут нужно отметить одну важную особенность восточно-христианского искусства: здесь никогда не изображали эти события физиологично, жестоко, кроваво, так, чтобы человек содрогнулся. В житиях много подобных событий. В искусстве мы ничего этого не понимаем, хотя видим пытки, мучения, смерть. И никогда это искусство не переходило определенную грань уважения к человеку. Напротив, в искусстве Западной Европы всё наоборот: кровь на распятом Христе, изломанное тело. Там такие детали есть, а у русских их нет. Например, в произведении итальянского мастера «Усекновение головы Иоанна Предтечи» есть кровь, видно, что голова отрублена, а в наших иконах на эту тему такого нет.
Древнерусские художники и писатели говорили, что любое, самое кровавое, евангельское и библейское событие, надо изменить так, чтоб «возверзить печаль в радость», т.е. превратить любую печаль в самую высокую радость. Например, казни апостолов: главное – это не смерть, а то, что люди не поступились своими убеждениями. Отсутствие натурализма как качество формы раскрывало содержание. Конечно, Средневековье – это тяжелое, жестокое время, но человек тогда точно осознавал свои идеалы: что плохо, что хорошо – и воплощал их в искусстве, они были путеводной звездой. Не страх, не угнетение, не паралич от ужаса, а внутренняя свобода убеждений – вот что было важно и для молящихся, и для художников. Вот что важно для древнерусского искусства: человек нуждается не в страшилках, а в помощи и в понимании, что доброе начало всё равно побеждает. Это сильная сторона русского искусства и русской культуры.